Training Day (A. Fuqua, 2001)

 

Film d’action très quelconque et d’une banalité bien ennuyeuse, malgré quelques scènes d’action qui se veulent pleine d’énergie.
Il y a peu à dire de ce jour de test qui voit un jeune flic accompagner un vieux routier qui s'avère peu à peu pire que le mal. On notera que le monde des policiers en prend pour son grade (il n’y a dans cet univers que corruption, trafics, assassinats ou arrangements en tous genres nous dit le film) quand les personnages, eux, n’ont guère d’intérêt. Denzel Washington en grand méchant surjoue de façon fatigante (de façon invraisemblable il a été oscarisé pour ce rôle, ce qui en dit long sur l’inanité des Oscars) et Ethan Hawke, s’il se débat comme il peut, est très limité par un personnage de jeune rookie déjà vu mille fois et qui reste sans épaisseur.

Antoine Fuqua, décidément très peu convaincant, retrouvera quelques années plus tard Denzel Washington pour une série d’Equalizer aussi inepte qu’insipide.

Garance (J. Herry, 2026)

 

Film qui se veut bouillonnant mais qui, finalement, se révèle sans grande saveur, Garance distille une désagréable impression de déjà-vu. Plus gênant encore, on a aussi l’impression d’un film qui coche soigneusement tout plein de cases (pour obtenir ses brevets de conformisme et de bonne vertu ? pour obtenir des subventions ?). Rien de surprenant, donc, dans le parcours de son héroïne, puisque le film va même, c’est dire, jusqu’à son sauvetage, donnant à l'ensemble une trajectoire bien conventionnelle et presque terne (Garance semble s’effondrer peu à peu mais, presque au moment où elle semble perdue, la voilà sauvée, par l’amour qui plus est).

C’est l’occasion, pour Axel Exarchopoulos, d’un rôle dans sa zone de confort, puisqu’elle y joue un personnage sans finesse, rustique, prototype de personnage confortable pour elle, qui a de l’énergie mais un jeu assez monolithique et répétitif.

Les Chiens de guerre (The Dogs of War de J. Irvin, 1980)

 

Dans Les Chiens de guerre le scénario cherche à dépasser le simple film de guerre (dans le sous-genre du fim de mercenaires) et l'ensemble montre une volonté de réalisme, évitant les caricatures de sorte que le film avance autour d’un personnage qui doute et hésite. Mais l’ensemble peine à captiver : le rythme est mollasson et l’on reste beaucoup trop loin des personnages.
On retiendra peut-être Christopher Walken, qui remet un bandeau et retourne en zone de combat, jouant un peu de l’aura quasi mystique qui l’entoure depuis Le Voyage au bout de l’enfer (on retrouve par moments son fameux regard halluciné).

La ciociara (V. De Sica, 1960)

 

Film de second rang de Vittorio Da Sica. Loin de ses plus grandes réussites, il livre un récit sans grande saveur, émotion ou intensité. La vision des malheurs de l’Italie est trop étalée, trop au centre du récit et des personnages quand, dans les plus grandes réussites du néoréalisme, c’est avec un pas de côté qu’ils sont abordés. La ciociara ne convainc pas et ne touche guère, on est loin du Voleur de bicyclette ou de Umberto D.

Sophia Loren, pourtant assez peu crédible en mère-courage, gagne néanmoins avec ce film ses galons de star.

Verdict (A. Cayatte, 1974)

 

Film étonnamment noir et sombre qui n’hésite pas à surenchérir dans la noirceur (par la photo aussi bien que par l’humeur générale des personnages, les lieux glauques ou misérables), tout laissant présager une issue terrible, qui aura bien lieu.  On voit rarement des films dégager aussi peu d’ondes positives : rien, ici, depuis la petite vie des personnages, les situations, les enjeux, n’est de nature à plaire.

C’est à la fois un atout (le film est dur mais il va au bout de son idée) et un défaut puisque l’on pressent beaucoup trop l’issue du film : on devine très vite que l’enjeu va au-delà d’un simple verdict.

Derrière Gabin – impeccable en taiseux et taciturne – Sophia Loren, si facilement solaire, surprend par son interprétation très sombre.

La Gradiva (M. Atlan, 2026)

 

Film assez terne malgré l’ambition de la réalisatrice qui nous fait suivre un groupe de lycéens en voyage à Naples. Et l’on constate une nouvelle fois qu’il est bien difficile de parler d’adolescents et de leurs problèmes sans verser dans des caricatures (au niveau de leurs pensées, de leurs manières de parler et de s’apostropher, de leurs rapports aux adultes). Cela dit l’actrice qui joue le professeur n’est pas très juste elle non plus : en cherchant à montrer combien son implication pleine d’entrain est totale, elle surjoue parfois dans des séquences bien peu convaincantes (le topo de géologie en haut du Vésuve par exemple).

Le film tente – peut-être – d’établir une résonance entre les corps pétrifiés de Pompéi et l’âme insondable et torturée des ados. Mais il n’y a là rien de bien original, les différents poncifs sont passés en revue (entre colère contre la famille, homosexualité révélée ou refoulée, attirances ou déceptions, discussions politiques) et la forme, qui se veut énergique et scrutatrice (beaucoup de mouvements, beaucoup de plans serrés sur les visages) est tout à fait dans l’air du temps.

La Gradiva garde beaucoup d’incertitudes (suicide ou accident ? relation entre la professeur et l’adolescent ?) qui, nous semble-t-il, bien loin de sonder l’insondable cerveau d’un adolescent perdu, relève plutôt d'un choix scénaristique bien pratique qui permet d’éviter des écueils. On est bien loin de réussites – pour évoquer des films qui parlent d’adolescence – comme Boyhood, Virgin Suicides ou Call Me By Your Name.

Licorice Pizza (P. T. Anderson, 2021)

 

Remarquable film (une nouvelle fois) de Paul Thomas Anderson qui, film après film, confirme son grand talent.

Ici il nous emmène aux côtés de Gary qui entre tout feu tout flammes dans l’âge adulte, avec son énergie et sa volonté d’avancer. Licorice Pizza met ainsi en image une certaine vision de l’esprit américain d’entreprise, celle du self-made man positif. Bien sûr, il n’est pas question réellement d’argent mais Gary agit, rebondit, se lance et se relance. Il est question d’amour aussi, avec sa rencontre décisive avec Alana. Toute cette énergie débouche sur la profusion d’idées, le débordement d’activité, la passion. Gary fonce et fourmille d’idées.

Il y a dans cette évocation rythmée de la jeunesse américaine une inspiration qui vient tout droit d’American Graffiti avec une atmosphère qui renvoie à un film comme Shampoo. On sent combien Anderson évoque, joue et plonge dans sa jeunesse. Le film file par moments du côté de la comédie romantique – autour d’une première romance un peu maladroite de fin d’adolescence – qui colore de nostalgie toute cette évocation.

Le talent de narrateur d’Anderson se déploie ici comme si souvent chez lui, avec cette capacité à raconter beaucoup de choses, à enrichir le film de nombreux personnages ou à jouer de digressions tout en gardant un rythme plaisant et équilibré qui emmène le spectateur.

Effacer l'historique (G. Kervern et B. Delépine, 2020)

 

Si Gustave Kervern et Bruno Delépine reprennent ici les grands principes de nombre de leurs films (avec des personnages abimés de la France périphérique qui se débattent comme ils peuvent contre plus fort qu’eux), il manque au film un grain de folie noire qui est au cœur des meilleures réussites du duo. La faute peut-être aux acteurs qui s'agitent mais peinent à incarner et à figurer à l'écran cette folie particulière des réalisateurs (là où Poelvoorde, par exemple, ou Dupontel sont remarquables).
Mais le film, cela dit, passe facilement de la comédie burlesque à un ton plus grinçant, à mesure que l’on suit les impasses dans lesquelles s’engouffrent presque en courant les différents personnages qui affrontent leurs addictions, leurs détresses et, in fine, leurs illusions.

Following (C. Nolan, 1998)

 

Premier film assez habile de Christopher Nolan qui porte en germes plusieurs motifs qu’il réutilisera souvent. Ainsi, dans cette réalisation à petit budget et à l’arrière-goût artisanal (en tournant une quinzaine de minutes par semaine avec beaucoup d’acteurs amateurs), on trouve déjà son goût pour la narration éclatée (qu’il morcellera plus encore dès Memento) et pour le twist final qui oblige à une relecture du film après coup.

On notera que les séquences où, finalement, Nolan se révélera le plus efficace (et qui sont non pas les jeux un peu cérébraux qu’il affectionne mais bien les séquences d’action, comme la magistrale ouverte de son Dark Knight) sont à peu près absentes ici.

Cela dit, bien loin des énormes productions qu’il dirigera par la suite, cet humble Following est plutôt convaincant, avec cette déambulation dans Londres, ses personnages un peu étranges et ce désordre (encore relatif) de la narration.

Le Corset (L. Clichy, 2026)

 

Très bon film de Louis Clichy qui tourne le dos au numérique (loin de Pixar ou de Astérix) et choisit d’emplir l’écran d’aquarelles qui emportent le spectateur par leur douceur et leur charme.

A la fois drôle et touchant (comme le veulent beaucoup de films destinés aussi aux enfants), le film peint avec justesse cette famille d’agriculteurs éreintée par la dureté du quotidien. Et le réalisateur joue parfaitement avec les échappatoires de Christophe (entre orgue et natation) qui se bat comme il peut contre ce terrible corset qui l’enserre mais lui donne – peut-être – un super-pouvoir.

Et, autour de ce super-pouvoir, plusieurs séquences – lorsque tout bascule et que tout est emporté – sont magistrales et d’une beauté saisissante.

Brewster McCloud (R. Altman, 1970)

 

Etonnant film de Robert Altman qui centre son récit sur Brewster, un jeune homme original et marginal. Si le film a une orientation policière (avec une succession de crimes), il déploie toute série de situations originales et peint une galerie de portraits, donnant peu à peu cet aspect choral que le réalisateur apprécie tant.

L’ensemble, un peu étrange, un peu touchant – avec son personnage angoissé et semi-lunaire –, construit un film assez dissonant et réussi.

Mon crime (F. Ozon, 2023)

 

Jouant sur une situation proche d'un vaudeville aux airs de Sacha Guitry (en cherchant bien), François Ozon ne convainc guère avec Mon crime : la légèreté recherchée tient plus de la superficialité et on ne croit guère aux situations ni aux personnages, bien peu attachants. Il n’y a guère que quelques séquences ou réparties (avec Fabrice Lucchini notamment) qui sont plaisantes.

Les deux actrices principales (Nadia Tereszkewicz et Rebecca Marder) surjouent péniblement et Isabelle Huppert elle-même, une fois n’est pas coutume (mais elle est sans doute prisonnière de son personnage), est bien décevante.

Et, comme s’il fallait une incongruité anachronique fatigante, le film s’entiche de tirades féministes pénibles, dites par une jeune avocate face à un jury masculin : on peut douter de la force de conviction d’un tel discours (ici énoncé sans humour ni ironie) dans les années 30.

Projet dernière chance (Project Hail Mary de L. Phil, 2025)

 

Film de science-fiction bien terne et peu original, même s’il part sur une idée qui pouvait l’être (quand bien même il faut sacrément croire à la science-fiction pour suivre cette affaire de microorganisme astrophage).

Mais le traitement est beaucoup trop banal (on n’est jamais surpris) et l’on passe par tous les passages obligatoires du genre (les réunions de scientifiques dépassés, le chercheur oublié qui trouve la bonne astuce en bricolant, le sacrifice, l’alien qui s’avère gentil, etc.), le tout filmé sans aucune originalité, par une caméra distante, qui ne s’approche jamais de ses personnages, les regardant se débattre sous nos yeux en les laissant lisses et froids.
Et, il faut dire, le charisme pour le moins discutable du mutique Ryan Gosling n’aide pas. Son personnage de Ryland Grace a pourtant une part d'originalité en restant bien loin du héros que réservent habituellement les blockbusters. Il y a une dissonance (qui ne fonctionne pas vraiment mais qui tient en quelque sorte le film) entre l'énormité de ce qui est en jeu (la survie de la planète) et les hésitations d'un personnage impréparé et seul face à sa mission. Son aventure renvoie un peu au héros de Seul sur Mars, qui devait se débrouiller comme il pouvait mais qui avait une froideur toute professionelle. Ici c'est à coup de bricolages plus ou moins improbables entre Grace et un alien un peu étrange que la Terre sera sauvée.

Les Amoureux sont seuls au monde (H. Decoin, 1948)

 

Très beau mélodrame d’Henri Decoin qui, l’air de rien, emmène le spectateur vers une tragédie d’une grande tristesse. La douceur de la caméra de Decoin répond aux saillies délicieuses de Jeanson. Entre autres échanges magnifiques (dont le jeu autour des amoureux qui sont seuls au monde), on retient l’exceptionnel mot « on est prié d’apporter son âme ».
Si l’histoire en elle-même (celle d’un adultère) est classique, le film est porté par un Louis Jouvet éblouissant. Le film, d’ailleurs, c’est peut-être là son défaut (mais Decoin n’y peut rien) dépend beaucoup de lui : l’acteur manque quand il n’est plus à l’écran. Son phrasé, sa manière d’être, son charisme sont exceptionnels et dominent tout à fait le film, lui donnant une profondeur et une force émotionnelle incroyable.

Au Bonheur des Dames (A. Cayatte, 1943)

 

Film assez fade d’André Cayatte qui ressemble à une simple « mise en images » du roman de Zola. Et encore l’ensemble déçoit : si l’on comprend tout à fait qu’il faille simplifier le roman qui met en scènes tant de situations et de personnages, ici, le problème est ailleurs. C’est qu’en les simplifiant, il dévitalise ses personnages.

Si l’on retrouve chez Cayatte l’oncle Baudu de Zola (et il agrège plusieurs personnages du roman, ce qui est plutôt bien vu) son évolution est simple, c’est celle d’un effondrement progressif. En revanche Denise, cœur battant du roman, est donnée immédiatement pour ce qu’elle est, alors que son évolution est considérable chez Zola. C’est là un choix scénaristique très réducteur. Et Octave Mouret, dont Zola montre combien son amour pour Denise lui tombe dessus et balaye tout (il regarde son immense magasin flamboyant mais il le voit comme plongé dans le noir), perd de son épaisseur dans le film : il n’hésite pas et n’est pas réellement secoué par le refus de Denise. C’est ainsi que le film, à force d’amincir ses personnages principaux, semble singulièrement dévitalisé.

C’est d’autant plus dommage qu’Albert Préjean est convaincant en Mouret : il joue très bien ce jeune entrepreneur empli d’idées, qui fonce sans cesse. Et Michel Simon est parfait, bien entendu. Cela dsit son personnage, comme il le dit lui-même, dit ce qu’il pense : le jeu de Simon suffit à lire le personnage. Mais, pour les autres, il eut fallu un talent de réalisateur, pour s’approcher d’eux et les saisir, pour se glisser à l’intérieur de leur tête et tenter de comprendre ce qui s’y passe.

Le Scorpion rouge (Red Scorpion de J. Zito, 1988)

 

Prototype de film d’action de la fin des années 80 qui n’a aucun sens et qui est dénué du moindre intérêt. Il met en avant Dolf Lundgren, une des stars testostéronées de l’époque, qui nous fait une variation sur le thème de Rambo (mais le Rambo tonitruant et hurlant de Rambo II, pas celui désespéré et inadapté du premier film).

Mais comme le héros est un soldat soviétique et qu’il ne peut donc gagner à la fin (film américain oblige), notre aimable guerrier va devoir ou bien mourir (mais ça n’est pas possible puisqu'il est le héros, film américain oblige) ou bien se retourner contre ses supérieurs qui s’avèrent très méchants. On a donc droit à la transformation de ce charmant soldat d’élite issu de l’unité ultra-élite des spetsnaz en un scorpion du désert, c’est-à-dire un combattant toujours aussi fort mais qui est éveillé et ne se laissera plus dicter sa conduite par les méchants. Hop, le voilà qui bascule du côté des villageois. Tout un programme.

Ajoutons les effets pyrotechniques d’un petit film d’action, les personnages monolithiques, idiots et prévisibles, les retournements de situation qui n’en sont pas et l’on comprend que l'on peut oublier ce film aussi tôt vu ou, mieux encore peut-être, ne pas le voir.

Robert et Robert (C. Lelouch, 1978)

 

Film assez décevant de Claude Lelouch, qui tourne autour de son thème habituel (le couple) en faisant un pas de côté pour aller voir du côté d’une agence matrimoniale. C’est l’occasion pour lui de dresser un double portrait d’hommes et, finalement, de parler d’amitié plutôt que d’amour. Sur un ton de comédie semi-amer, le film glisse parfois vers le glauque, en dressant des portraits de ces solitaires gauches et mal dans leurs peaux. Il y a alors quelques séquences réussies, alors que l’ensemble du film a beaucoup vieilli et que le rythme se perd en chemin, après une première partie qui fonctionne bien.
Et, davantage que Jacques Villeret et Charles Denner (qui surjoue beaucoup trop), c’est Jean-Claude Brialy que l'on apprécie en faiseur de couples, bonimenteur semi-précieux à la tête de son agence. D’ailleurs quand on l’abandonne quelque peu au tiers du film pour se concentrer sur les deux Robert, le film patine et tourne à vide.
On notera une nouvelle fois que Lelouch arrive à placer sa pénible ritournelle «  cha ba da ba da » – en fin de film cette fois –, sous une forme ironique peut-être, mais enfin, il y revient encore.

Le Casse (H. Verneuil, 1971)

 

Volontaire et empli d’action, le film déçoit surtout en oscillant entre des tons assez peu compatibles ce qui lui ôte toute substance. Il démarre sur un ton sérieux (le casse du titre a lieu et il se veut très professionnel), puis, rapidement, il bascule dans la comédie (et même dans un comique outrancier : quand les jeunes acclament la course-poursuite en voitures) puis il redevient sérieux et sincère puis repart vers le rire. Bref, rien ne va et l’on ne croit plus en rien, ni dans les situations, ni dans les personnages ni en leurs sentiments.

Et si Henri Verneuil ne parvient pas à équilibrer entre eux ces écarts de tons, il n’est pas non plus convaincant dans les moments d’action : il ne sait pas achever sa course-poursuite interminable dont le conclusion est ridicule (on sombre tout à coup dans la comédie navrante) et il rallonge les cascades et autres bagarres, comme pour en faire des marques de fabrique.

Evidemment les personnages sont beaucoup trop dissemblables pour faire partie du même film : le commissaire (Omar Sharif) est ouvertement comique quand les braqueurs (Renato Salvatori et Robert Hossein) sont on ne peut plus sérieux.

Reste, au beau milieu, l’ami Belmondo qui devient Bebel, peut-être bien, sur ce film. Il s’est épaissi, il marche pour la première fois en roulant des mécaniques, on le prend au sérieux (il a moins ce côté juvénile qu’il avait encore dans Borsalino et Les Mariés de l’an II tournés juste avant). Le voilà hâbleur, enjôleur et sûr de lui. Il annonce La Scoumoune, L’Incorrigible, ou L’Alpagueur, qui seront tournés très bientôt et qui finalement, on le sait, emmèneront l’acteur vers une seconde carrière décevante aux rôles répétitifs.

Désiré (B. Murat, 1996)

 

Cette adaptation du fameux film de Guitry est intéressante : Bernard Murat (qui connaît parfaitement le théâtre et sa mise en scène) s’applique à reprendre très exactement le scénario d’origine (scénario lui-même issu de la pièce de théâtre de Guitry montée dix ans avant le film).

L’intérêt, alors, réside dans les acteurs qui ont un texte délicieux à jouer mais qui ont une ombre immense au-dessus d’eux : chez Guitry, la distribution est toujours savoureuse et, dans le Désiré d'origine, elle était exceptionnelle. L’ami Belmondo s’applique et badine comme il sait faire, avec un certain détachement qui fonctionne bien. A faire du Guitry il est assez convaincant (même si ça n’est pas non plus du Guitry qui reste inimitable). Fanny Ardant, en revanche, fait clairement regretter Jacqueline Delubac donc la pétillance irriguait le premier film. Claude Rich est parfait de son côté et Jean Yanne réjouissant, alors que Béatrice Dalle, même s'il s'agit d'un petit rôle, ne vaut pas Arletty.

Une réflexion de Michel Mourlet sur la spécificité du cinéma

 

Une remarquable réflexion de Michel Mourlet, dans son petit article Cinéma, poésie et autres (1965) :

 

« Le cinéma n’est pas une écriture ni une partition, la caméra n’est ni un stylo ni un pinceau, c’est un regard qui choisit. C’est aussi pourquoi il est vain de le comparer avec la poésie. La poésie est un envahissement du langage par l’être, exprimant par mélanges, contacts, alchimie, des rapports subtils, secrets, ténus, ou au contraire profonds, élémentaires entre les choses, entre l’homme et les choses. Le langage alors ne désigne plus, ou désigne moins, il tend vers l’être. La signification des mots prolifère, envahit le signe, opacifie sa transparence, solidifie sa fluidité : la poésie crée sa matière.
Au contraire, puisque la matière est donnée au cinéma, la beauté ne sera pas reconstruite par le cinéaste, mais discernée, cernée par l’objectif : contrairement au poète, au peintre, au sculpteur, le cinéma ne modifie pas, ne transfigure pas, n’« exprime » pas, il sélectionne. A la vérité interne que nous exigeons de toute forme d’art, il ajoute la vérité objective. Le poète est le poète du langage, mais le cinéaste est le poète du réel. »

 

 

Epouses et concubines (Dà hóng dēnglóng gāogāo guà de Y. Zhang, 1991)

 

Appliqué, présentant des tableaux parfois magnifiques, Epouses et concubines s’articule autour d’une maison qui forme un écrin (dédié à l’actrice Gong Li, révélée par ce film et qui est de tous les plans) autant qu’une prison. Ce décor est un lieu, dans tous les cas, d’où l’on ne sort jamais et où les rivalités vont bon train, entre tradition, hypocrisie, coups bas et ambitions. Selon un parti pris un peu facile, on ne verra jamais le visage de l’époux au cœur de tous ces fils qui se croisent et tissent comme une toile d'araignée serrée.
Cela dit, au-delà du propos que l’on peut lire comme politique (mais il s’agit alors, comme souvent, d’une lecture très pauvre de l'œuvre), c’est l’esthétique du film qui retient l’attention. Malgré tout, derrière une enveloppe très belle, le style du réalisateur reste assez classique ce qui empêche peut-être le film d’emporter tout à fait et de dépasser cette impression d’application. On est loin d’un film proprement esthétique comme chez Wong Kar-wai. Zhang Yimou s’applique et colore son film d’un rouge profond et sombre (sur lequel viennent trancher quelques bleus/gris) pour mieux étaler ses tableaux, jouant savamment de baies ouvertes mais infranchissables et d’une rencontre qui ne se fera pas (celle de Songlian avec le fils de la première femme).

Ni vu, ni connu (Y. Robert, 1958)

 

Cette comédie d'Yves Robert en forme de farce ne convainc guère et les élucubrations et les facéties des acteurs ont beaucoup vieilli de même que l’histoire en elle-même (le jeu du chat et de la souris entre un braconnier et un garde-champêtre).

Un des intérêts du film est de voir Louis de Funès enfin dans un premier rôle, lui qui a tant tourné dans des rôles secondaires ou même tout à fait mineurs. Il est au cœur du film et il joue à grands coups de grimaces et de grommellements qui seront, on le sait, sa marque de fabrique. Mais, ici, nulle trace de ce génie comique qui le rendra bientôt unique : il surjoue et en fait des tonnes mais la magie n’opère pas. Il semble n'être qu'une imitation grossière et exagérée de ce qu’il deviendra et toutes ses mimiques ridicules apparaissent bien vaines.

Problemos (E. Judor, 2017)

 

Il est un peu dommage que le film d’Eric Judor ait du mal à trouver son rythme et à être efficace sur la durée parce que cette comédie partait bien avec une façon de peindre les décroissants et autres féministes jusqu’au-boutistes amusantes.
Le personnage joué par Judor lui-même – avec cet air d’enfant un peu ahuri qui est toujours en porte-à-faux des situations et des autres personnages – sert bien le propos et permet de mettre les pieds dans le plat. Mais, malgré de bons gags et des réparties bien vues, le film patine et s’enlise, en particulier à partir du moment où la pandémie se déclenche, c’est-à-dire quand même assez tôt dans le film…

Le Bel Antonio (Il bell'Antonio de M. Bolognini, 1960)

 

Surprenant film italien de Mauro Bolognini qui aborde de front la question compliquée de l’impuissance et du manque de virilité.

Une grande habileté du film (et un de ses grands intérêts) est que c’est le grand Marcello qui campe ce rôle ingrat. On s’amusera d’ailleurs de voir combien Mastroianni n’aura de cesse de briser l’image mythique que lui a immédiatement donné La Dolce Vita, que ce soit dans Divorce à l’italienne ou chez Boorman (dans Leo the Last) en aristorcrate perdu et exalté. Ici le voilà en impuissant incapable d’honorer sa femme (Claudia Cardinale, excusez du peu).

L’impuissance d’Antonio ne se révèle que lorsqu’il veut faire l’amour à une femme qu’il aime : il ne peut plus faire l’amour avec des sentiments. Bolognini créé une distance entre Antonio et les femmes qui se déclarent, et le voici qui prend des temps de recul, se regarde dans une glace, se réfugie dans les livres, cherche l’évitement. Le film donne ainsi au cas d’Antonio et à son rapport au monde (et aux femmes) une dimension métaphorique, celle d'une jeunesse déçue et à demi-corrompue, dans une Sicile désenchantée.

 

Un idiot à Paris (S. Korber, 1967)

 

Comédie sans guère d’intérêt de Serge Korber. Jean Lefèbre, en idiot du village, est immédiatement lassant et l’intrigue tout à fait oubliable.

Il ne reste du film, finalement, que quelques tirades de l’ami Blier et celle, fameuse, de Robert Dalban quand il dit, avec son ton inimitable : « Je suis ancien combattant, militant socialiste et bistrot, c’est te dire si dans ma vie j’en ai entendu des conneries ».

 

La Chasse à l'homme (E. Molinaro, 1964)

 

Comédie légère et sans prétention, qui s’amuse tranquillement sans qu’Edouard Molinaro ne fasse preuve d’un grand talent.

Mais on note quelques situations amusantes, quelques bons mots d’Audiard et, surtout, on apprécie la pléiade d’acteurs qui viennent se nicher jusque dans des rôles secondaires et gratifient le film de leur présence. On note ainsi derrière Jean-Claude Brialy et Claude Rich en premiers rôles, rien moins que la présence, même parfois pour seulement quelques minutes, de Jean-Paul Belmondo, Micheline Presle, Bernard Blier, Michel Serrault, Catherine Deneuve, Françoise Dorléac, Francis Blanche, Marie Laforêt, Bernadette Lafont ou encore Mireille Darc. C’est ainsi que La Chasse à l’homme, grâce à son casting qui est l’un des plus fournis de l’histoire du cinéma français, possède, malgré ses défauts, un charme indéniable et plaisant.

Avatar : De feu et de cendres (Avatar: Fire and Ash de J. Cameron, 2025)

 

Comme c’était à craindre, ce dernier film de James Cameron déçoit beaucoup et il reflète la pente descendante que suit le réalisateur depuis bien longtemps.

En effet, au fur et à mesure de ses films, celui-ci a, sans cesse, rajouté de bons sentiments, du mièvre et de l’édulcorant sur des trames au départ efficaces mais finalement dévitalisées. A bien y regarder, il n’y eut guère que Terminator et Aliens qui furent épargnés, mais, ensuite, ce péché mignon du réalisateur a pris une ampleur toujours plus grande, Titanic bénéficiant d’un genre qui accueille mieux les bons sentiments. Mais Abyss, solide film par ailleurs, pâtissait déjà de ces extra-terrestres qui découvraient l’homme capable d’aimer. Il n’y a qu’à voir l’écart entre Terminator 1 et Terminator 2 (qui est un bon film mais dont on a peine à croire qu’il est l’œuvre du même réalisateur) pour comprendre ce qui se passe.

Alors, même si tout n’était pas parfait dans Avatar, il y avait, derrière la déferlante technologique, bien des qualités. Ensuite les choses se sont dégradées (les durées des films étant un indice) : Cameron a de plus en plus dissous ses bons ingrédients dans son habituelle soupe indigeste. Avec Avatar 2 et, plus encore, ici, avec Avatar 3, l’ensemble est devenu insipide et tout à fait ennuyeux.

Mademoiselle la Présidente (La presidentessa de P. Germi, 1952)

 

Très théâtral et comique, Mademoiselle la Présidente tranche avec nombre des autres films plus célèbres de Pietro Germi qui sont ou bien marquées par l’empreinte néoréaliste, ou bien des fleurons de la comédie italienne.

Ici c’est une accumulation de situations vaudevillesques, de personnages farfelus, de coups de théâtre et de surenchères. Le film se veut un pur divertissement sans autre idée que celle de conduite ses personnages dans des situations toujours plus inextricables et alambiquées.
Exercice de style, donc, et unique incursion dans ce genre léger pour Pietro Germi qui reviendra très vite à des sujets beaucoup plus sérieux et qui seront traités comme tel.

Michael Clayton (T. Gilroy, 2007)

 

Malgré le charisme de George Clooney et les bons acteurs qui l’entourent, l’intrigue un peu trop emberlifiquotée dessert ce thriller qui aurait pu être beaucoup plus convaincant. Le choix du flash-back, par exemple, est surprenant, et il n’est pas sûr que le film y gagne beaucoup.

C’est un peu dommage, le film de Tony Gilroy apparaît un peu comme un Erin Brockovich avec un héros masculin mais sans la même énergie ni la même tension.

 

Après Mai (O. Assayas, 2012)

 

Remarquable film d’Olivier Assayas – un de ses plus aboutis sans doute – qui nous entraîne aux côtés de Gilles dont on va suivre l’itinéraire (dans lequel il y a beaucoup d’autobiographie), avec ses rencontres, en particulier Laure, qui le hante jusqu’au bout.
L’univers de cet après mai 68 est très bien senti, on n’est pas très loin de More par moment. On voit qu’Assayas ne cherche pas à recréer 1971 mais qu’il regarde cette période avec ses yeux de 2012, maintenant qu’il a une carrière établie (de critique à réalisateur) et une grande reconnaissance. Comment souvent chez Assayas, mais ici avec des entrelacements prononcés, la ville apparaît comme le lieu de la violence et la campagne comme celui de l’apaisement. L’action d’un côté, la contemplation de l’autre.
Cela dit, si Assayas capte parfaitement la confusion des jeunes adultes – avec la violence des luttes, les réunions étudiantes autour des slogans, les soirées psychédéliques, les entraides – là n’est sans doute pas le cœur du sujet. Le cœur du film est bien plutôt de parvenir à se décider et de parvenir à sortir de la confusion pour prendre une direction de vie. Assayas formule d’ailleurs la question et montre un début de réponse : c’est bien sûr loin des projets de cinéma bourgeois de son père (l’adaptation de Maigret) qu’il se trouvera. C’est en errant sur les plateaux (où des nazis affrontent des monstres en cartons), lorsqu’il finit par se promener entre les décors, passant de l’autre côté de l’écran, jouant avec cette façon de refuser le réel.
C’est ainsi que s’il capte l’énergie, il prend un recul sur celle-ci et cherche à lui donner un cadre (la pulsion de vie de jeunes adultes, la confusion des sentiments, les rencontres).

En même temps (G. Kervern et B. Delépine, 2022)

 

C’est peut-être l’idée première du film (coller ainsi deux personnages que tout oppose) qui nous gêne le plus dans ce film du duo Kervern et Delépine. Si l’ensemble est amusant et propose quelques séquences bien vues sur fond d'oppostion politique, le film ne peut s’empêcher de patiner un peu autour de cette situation qui ne se décante guère.

Heureusement En même temps bénéficie de la très bonne interprétation du duo Macaigne/Cohen, qui porte largement le film.

Drôle de frimousse (Funny Face de S. Donen, 1957)

 

Comédie musicale secondaire de Stanley Donen qui s’appuye sur un scénario bien peu passionnant pour tenter d’emmener le spectateur à Paris, en compagnie de Fred Astaire et d’Audrey Hepburn.

Mais l’artificialité du film – artificialité qui, en soit, peut ne pas gêner du tout dans une comédie musicale – plombe ici toute chose : Audrey Hepburn en employée de librairie bientôt amoureuse de Fred Astaire, la séquence dans la librairie, la virée à Paris, la fausse déception avant le happy-end, rien de tout cela ne fonctionne vraiment. Et, l'on a beau être habitués (1), l’écart d’âge entre les deux stars et, bien plus encore, l’absence de tout jeu de séduction entre les personnages (pouf, les voilà amoureux), nous fait regarder ces petits rebondissements avec la paupière un peu lourde.

Les numéros musicaux assez peu emballants sont à l’image du film qui apparaît assez quelconque dans la filmographie de Stanley Donen.

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(1) : Il faut remarquer que, bien souvent, dans des films fameux, Audrey Hepburn forme des duos avec des acteurs beaucoup plus vieux qu’elle (de Humphrey Bogart dans Sabrina à Cary Grant dans Charade en passant par Gary Cooper dans Ariane).

Sinners (R. Coogler, 2025)

 

Film décevant dont on ressent un trop la volonté d’auteur alors qu’il s’agit, in fine, d’un film de genre assez banal et qui ne s’assume pas. Les personnages sont assez charismatiques mais la première partie du film est un peu poussive (jusqu’au début du bal) et si l’on pense que le film va s’emballer, il devient assez banalement une affaire horrifique de vampires. La fin (où les affreux du KKK sont massacrés) renvoie à une compensation façon Django mais qui n’a pas beaucoup lieu d’être ici.

C’est bien dommage, il y avait mieux à faire avec de bons acteurs et une volonté de créer une ambiance mais tout cela tombe peu à peu à plat.

Le Grand soir (G. Kervern et B. Delépine, 2012)

 

Belle réussite du duo Kervern et Delépine qui fait ici feu de tout bois. A faire déambuler dans une zone commerciale deux frères (l’un déjà punk et l’autre qui perd pied peu à peu et le devient), ils trouvent là l’expression à la fois simple et complète de leurs sujets habituels : filmer la France périphérique – avec, ici, ses zones de parkings et de galeries commerciales sans âme – et suivre les déambulations hasardeuses de personnages en rupture, paumés et qui s’agitent vainement.
Le film bénéficie des interprétations truculentes de Benoît Poelvoorde et Albert Dupontel qui forment un duo idéal : chacun, dans un registre qui lui est propre, a cette facilité à jouer de tonalités étranges, faisant surgir des dissonances soudaines ou folles. Le film doit beaucoup à ces acteurs qui portent le film et l’emmènent vers un inévitable débordement, à la fois foutraque, drôle et tout à fait triste.

Le Fils du pendu (Moonrise de F. Borzage, 1948)

Si l’histoire racontée dans Le Fils du pendu est assez banale (et elle est racontée comme tel, sans chercher à jouer d’artifices scénaristiques faussement renversants), Franck Borzage, dont c’est l’un des derniers films, parvient à jouer de sa patte stylistique pour rehausser l’ensemble.

Esthétiquement, Borzage filme l’enfermement d’un personnage, dans les marais, dans des pièces dont la lumière sombre réduit encore l’espace, dans la fête foraine, même, où il est coincé dans la grande roue alors que son délire de persécution l’accable. Jouant de noir et blanc très contrastés et d’un expressionnisme parfois exubérant, on voit que Borzage cherche à dépasser le peu de moyens du film et le faible scénario pour exprimer cinématographiquement la persécution ressentie par Danny Hawkins et son enfermement dans un destin qui le dépasse.

C’est là un des intérêts du film, surtout en regard de Borzage, qui, s’il ne retrouvera pas avec le parlant sa virtuosité folle du muet, n’abandonnera pas pour autant cette capacité à filmer au plus près des personnages, faisant jaillir à l’image leur morale, leurs doutes et leurs failles.

Sur les chemins noirs (D. Imbert, 2023)

 

Film assez terne de Denis Imbert, qui nous fait suivre son personnage en train de traverser la France et de se confronter aux paysages, au silence, au temps.

Mais si le personnage de Pierre Girard (bon Jean Dujardin), au fil des rencontres – rencontres avec les lieux et l’espace davantage qu’avec les gens –, se reconstruit peu à peu, le spectateur, en revanche, ne ressent guère d’émotion. C’est bien là que le film déçoit : il n’y a guère de vibrations qui viennent nous heurter, l’image ne se lève pas vers nous, elle ne s’adresse pas à nous.

De sorte que lorsque Pierre nous dit qu’il ressent, nous, spectateurs coincés dans notre fauteuil, nous ne ressentons guère. Sans doute faut-il revoir Fitzcarraldo – pour ne citer qu'un exemple – pour comprendre la différence entre une image qui nous montre un homme ému et une image qui émeut.

La Bonne Année (C. Lelouch, 1973)

 

Si le film a une certaine notoriété (il se dit que Kubrick lui-même adorait ce film), il nous semble, quant à nous, assez faible et bien peu convaincant.

L’histoire entre Simon et Françoise est très forcée, avec cette affaire de petite table d’époque achetée et revendue par Simon pour approcher une première fois, l’air de rien, Françoise. Mais l'on a bien du mal à y croire surtotu quand le film jongle entre le jeu de séduction et la préparation du braquage. Voulant jouer sur deux genres et deux registres, Lelouch se perd en chemin et son manque de subtilité, comme souvent, vide le film de toute émotion.

Le mutisme d’ordinaire si efficace de Lino Ventura semble ici un simple silence, sans l’épaisseur que sait si bien lui donner d’ordinaire l’immense acteur. Malgré son amusante partition lorsqu’il est grimé (mais ce n’est pas bien difficile), Ventura n’est pas convaincant en amoureux.

Bien sûr, par-dessus cette double histoire, la lourdeur habituelle de Claude Lelouch n’aide pas. On peut voir comme une ironie l’idée de montrer des détenus siffler le générique de son film à succès, mais en attendant, derrière cette fausse humilité, Lelouch projette, l’air de rien, durant de longues minutes, Un homme et une femme. Voulant se donner un style, Lelouch utilise aussi le jeu entre la couleur et le noir et blanc ou encore à des images mentales très convenues. Décidément, si les films de Lelouch se ressemblent, c’est surtout par l’absence d’émotion qu’ils dégagent bien souvent et par les grosses ficelles faussement légères de la mise en scène.