Citizen Kane (O. Welles, 1941)

Film essentiel et très célèbre, Citizen Kane est l’un des plus commentés et l’un des mieux classés au jeu des classements des « meilleurs films ». Il faut reconnaître que ce premier film d’O. Welles est un éblouissant coup de maître. Welles y exprime son style baroque mieux qu’il ne le fera jamais. Mais jamais Welles ne retrouvera une telle indépendance de réalisateur et il passera ensuite le plus clair de son temps à se battre avec les majors d’Hollywood à la recherche d’argent ou d’une liberté qui ne lui sera guère accordée. Constamment bridé, on regrette que Welles n’aie pas eu l’intelligence de travail d’un Kubrick qui comprit très vite que le déploiement de son génie dépendait en grande partie de son indépendance (mais l’ego de Welles ne pouvait guère l’aider à se détourner ainsi des grands circuits de distribution). Las, Welles resta enferré dans mille et une contraintes et frustrations tout au long de sa carrière.

La substance du film, plus encore que l’enquête ou que le personnage de Kane, est dans le processus de création du film. On sent que Welles a parfaitement conscience de rendre visible sa virtuosité pour le spectateur. C’est ainsi que la mise en scène est très visible, brillante, novatrice, baroque, avec en particulier un usage de la profondeur de champ exceptionnel et des positions ou des mouvements de caméra extrêmes.

Le film est aussi très original dans son écriture (J. Lourcelles – qui n'aimait pas beaucoup Welles – dit même avec sévérité que la part essentielle de l’originalité du film existait déjà sur le papier, avant même le premier jour de tournage). Les nombreux flash-backs sont parfois volontairement redondants : ils racontent selon différents points de vue la même période de la vie de Kane. On notera que seul le spectateur aura le fin mot de l’enquête qui motive tout le film (enquête qui justifie cette structure en flash-backs). Le journaliste ne parviendra jamais à une intimité suffisante avec la personne de Kane pour parvenir à résoudre l’énigme. Dans cette dernière séquence, Welles change de procédé narratif et reprend une narration directe conventionnelle, alors qu’il avait sans cesse innové tout le reste du film.

Mais le film est fondateur dans l’utilisation de la profondeur de champ, dans des plans qui viennent transgresser les représentations classiques. Par exemple lorsque l’avenir de Kane enfant est discuté : la caméra démarre auprès de l’enfant qui joue dans la neige puis recule en un magnifique plan-séquence qui laisse, au fond, la fenêtre entrouverte par laquelle on entend les cris de l’enfant, alors que son avenir se décide, entre adultes, sans lui.

Welles arrive ainsi, par son utilisation de la profondeur de champ, à englober tout l’espace cinématographique, non seulement dans un objectif esthétique mais avec une construction lourde de signification puisque l’avenir de l’enfant se décide : il ne le sait pas encore, mais ces jeux innocents dans la neige appartiennent au passé. L’image sert donc à Welles à montrer, à la fois des moments du présent et des images du passé.

La fameuse construction autour du suicide de Susan est également très novatrice : l’organisation en diagonale en partant d’un gros plan achève le découpage de l’image comme autant de plans parallèles qui s’éloignent progressivement (comme une succession de scènes de théâtre parallèles).

On retrouve la même avancée progressive dans la peinture classique italienne avec, par exemple, la virtuosité encore primitive d’un Giotto (qui peint en représentant ses personnages comme sur une scène de théâtre), développée par G. Da Fabriano (qui magnifie cette organisation mais sans la dépasser), avant que le baroque n’emporte cette superposition de plans, avec, par exemple, Le Tintoret.

Giotto, Scènes de vie de Saint François d'Assise (1300)

Gentile da Fabriano, L'Adoration des mages (1423)

Le Tintoret, L’Enlèvement du corps de Saint Marc (1562)

C’est F. Truffaut qui résume magnifiquement l’apport du film : « Welles délivre non seulement un bon film, mais LE film, celui qui résumerait 40 ans de cinéma tout en prenant le contre-pied de tout ce qui avait été fait, un film qui serait à la fois un bilan et un programme, une déclaration de guerre au cinéma traditionnel et une déclaration d’amour au médium ».