Barbie (G. Gerwig, 2023)

 

Cette comédie au grand succès planétaire est rapidement ennuyeuse. On comprend vite le jeu proposé par le film avec cette dualité de monde imaginé pour l’occasion (l’idée de Barbyland, en soi, est bien vu). Mais, ensuite, le film tourne à vide sur un comique de répétition qui n’avance pas et qui montre ses limites : Barbie cherche à faire sourire et à rebondir avec les différences ou les ressemblances entre les deux mondes, et à jouer des influences réciproques.
Bien sûr on a là une critique – au second, troisième ou énième degré, on ne saurait dire – de la société d’aujourd’hui et des rapports homme-femme. A la décharge de Greta Gerwig, il semble bien difficile de produire un propos pertinent sur ce thème de nos jours sans risquer une tempête médiatique. Or l’on sait combien les producteurs d’Hollywood craignent les tribunaux médiatiques et combien ils cherchent à aplanir la moindre rugosité. C’est ainsi que, à part quelques saillies ou bons mots (et encore...), on s’ennuie ferme.
A travers ce rôle, si Ryan Gosling continue d’être lénifiant, ce qui, il faut bien l’admettre, n’est pas un frein quand il s’agit de jouer Ken (le problème est plutôt que, second degré ou non, il semble bien difficile à cet acteur de produire une expression), Margot Robbie, de son côté, à travers ce rôle, assume pleinement son statut de nouvelle bimbo.

Indiana Jones et le Cadran de la destinée (Indiana Jones and the Dial of Destiny de J. Mangold, 2023)

 

Né sous de merveilleux auspices (le premier film de la saga est une belle réussite), ayant ensuite grandi avec délice (La Dernière Croisade est un chef-d’œuvre dans son genre), Indiana Jones a ensuite bien mal vieilli (Le Crâne de cristal est une catastrophe) et l’on pensait bien que l’aventurier serait laissé tranquille, d’autant plus que l’ami Harrison Ford commence à se faire vieux pour s’en aller cabrioler par monts et par vaux.
Las, James Mangold le sort de sa retraite et le revoilà donc à parcourir le monde une nouvelle fois. Mais la sauce ne prend guère. Lorsque Indi remet son chapeau et sort son fouet on a bien du mal à y croire. La saveur des premiers épisodes n’est plus là, les passages obligés et les clins d’œil encombrent le film, les incohérences sont légion, les personnages contradictoires (le comportement de Helena échappe à toute logique) et la fin sirupeuse à souhait. Comme quoi cumuler des séquences d’action ne suffit pas pour donner du punch à un personnage et à un film.
Harrison Ford lui-même, qui a si souvent su trouver le juste ton entre traits d’humour et ronchonnades, ne joue plus qu’un vieux héros bougon sans cesse houspillé par une petite jeune. Sans doute ne suffit-il pas de jouer sur l’âge de l’archéologue-aventurier pour s’en affranchir.
Mangold jouait déjà, dans Logan, avec des héros vieillissants mais, en ce qui concernait ces héros usés et de moins en moins capables, son film n’était pas inintéressant (il était mauvais sur d’autres points). Rien de tout cela ici : même à la retraite, usé et bougon, Indiana Jones reste inarrêtable et toujours aussi efficace dès qu’il s’agit de se dépêtrer d’une troupe de vilains lancée contre lui ou de démêler une énigme restée mystérieuse. Indiana Jones est donc vieux, on nous le montre et on en blague mais, finalement, le film ne l’entérine pas et il reste héroïque comme au bon vieux temps : c’est peut-être là qu’est la grande incohérence et le grand malaise de ce (espérons-le) dernier opus.

 

Equalizer 2 (The Equalizer 2 de A. Fuqua, 2014)

 

Dans cette suite sans saveur d'un premier épisode déjà d’une fadeur rare, Antoine Fuqua récidive en appliquant la même recette, entre prétention de mise en scène et petite morale à deux sous. Denzel Washington cachetonne tranquillement.
Si le film est transparent pour le spectateur (on le voit et, hop ! on l’oublie), il est en revanche une belle planche à billets. On a bien compris que les producteurs savent parfaitement ce qu’ils font.

 

 

Daylight (R. Cohen, 1996)

 

Film catastrophe insipide et inutile, servant à la gloire (toute petite gloire, bien sûr) de Sylvester Stallone, qui enchaîne, à cette période, les films consternants. Peut-être en a-t-il conscience puisqu’il surprendra dans son film suivant, le bon Copland de James Mangold, avec un rôle iconoclaste pour lui et très bien tenu.

 

 

Pi (D. Aronofsky, 1998)

 

Dans cette première œuvre qui oscille sans cesse entre cinéma expérimental et film fauché, Darren Aronofsky se perd un peu. Il cherche à filmer une obsession et s’il met en place une esthétique, on ne saurait trop dire si elle vient d’un projet artistique ou d’une contrainte financière. Les œuvres suivantes du réalisateur, sans grand rapport esthétique, nous faisant plutôt dire qu’il s’agit d’un manque de moyens. Derrière les idées de thriller noir et paranoïaque, cette esthétique le coince d’ailleurs un peu au moment de faire avancer son récit. C’est que Max Cohen, s’il semble avoir mis le doigt sur une clef de voûte mathématique du monde, se noie peu à peu dans sa paranoïa et dans ses hallucinations. Dès lors, au-delà de sa forme originale, le film se résume à scruter une obsession, obsession qui sera un des sujets majeurs de Aronofsky.

Les Saveurs du palais (C. Vincent, 2012)

 

Il est dommage que ce film, qui cherche à titiller les papilles en évoquant la cuisine du terroir, les vieilles recettes de grand-mère et les belles traditions soit aussi insipide. Hormis quelques moments de cuisine où, justement, le réalisateur cherche à nous plonger au cœur des saveurs et des mélanges, Les Saveurs du palais ne captive guère, jonglant entre la base antarctique perdue dans le froid rocheux et le raffinement du palais de l’Élysée.

On notera, aux côtés de Catherine Frot (dont le rôle n’est pas bien difficile), l’interprétation difficilement supportable de Jean d’Ormesson en président de la République. Bien loin de la simplicité traditionnelle qu’il appelle de ses vœux en cuisine, son personnage en fait des tonnes et il vient alourdir bien inutilement des séquences qui se veulent décisives dans le film.

 

Carré d'as pour Django (Le due facce del dollaro de R. Bianchi Montero, 1967)

Western spaghetti qui a tout de l’exploitation de filon. Les aficionados les plus purs y trouveront ce qu’ils viennent chercher. Et la fin, sans être exceptionnelle, a le (grand) mérite de surprendre.

Cela dit le titre français laisse songeur : si un des personnages se nomme bien Django il n’est nulle part question de poker. Mais l’on sait combien tout n’est qu’affaire d’exploitation et combien le nom de Django est devenu mythique (et donc commercial) dans le monde du western spaghetti.

 

La Ballade de Buster Scruggs (The Ballad of Buster Scruggs de J. et E. Coen, 2018)

Film à sketchs dont les différentes histoires embrassent toutes le thème de la Frontière. Passant en revue de nombreux stéréotypes du western avec plaisir (on croise un gunfighter, un braqueur de banque, un prospecteur, un convoi de pionniers, etc.), les frères Coen s’amusent. On regrette que les sketchs soient inégaux dans leur efficacité ou leur drôlerie, mais il s’agit là sans doute d’une limite de ce type de films.
Le sketch inaugural (qui donne son titre au film), Près d’Algodones, Gorge dorée ou La Fille qui fut sonnée sont très réussis et participent sur un registre comique à la légende de l’Ouest.

 

Mission impossible : Dead Reckoning, partie 1 (Mission: Impossible – Dead Reckoning Part One de C. McQuarrie, 2023)

 

Septième opus d’une série désormais bien rodée, ce Mission impossible ne peut guère surprendre. Comme la recette ne change pas d’un film à l’autre, on sent bien que celui qui a aimé les précédents films aimera celui-ci et que celui qui n’a pas supporté les précédents ne supportera pas celui-ci non plus. A l'image de sa star dont la plastique et le punch restent inchangés, la série se maintient.
Il y a bien quelques scènes d'action parfois trop longues, mais le climax final dans le train  – comme un écho au premier épisode de la série – est très réussi.

Bien entendu il ne s’agit de rien de plus que d’un film calibré pour cartonner à l’international. Mais le film n’est rien de moins non plus : il faut admettre que la série ne sombre pas, au fil des épisodes, et se maintient. Tom Cruise fait le job avec énergie et efficacité et ses acolytes forment une équipe maintenant consolidée.

On se demande cependant, de plus en plus, si les spectateurs ne trouvent pas dans Ethan Hunt un succédané à James Bond, ce héros de cinéma quelque peu dévitalisé ces dernières années (en particulier dans les films où il est interprété par Daniel Craig). Hunt, lui, on l'a dit, ne change guère, il s’est même raffermi, laissant de côté ses déboires sentimentaux (tout l’inverse de James Bond) et surfe toujours plus sur les gadgets high-techs, autrefois chasse gardée de 007. Bien sûr Hunt n’a pas l’enrobage de Bond (pas de cocktail, pas de séduction, pas de mondanités décontractées), mais il se peut néanmoins que les spectateurs célèbrent d’autant plus ses folles équipées qu’il est désormais le seul héros agent secret à tenir encore la barre.

 

Chef (J. Favreau, 2014)

Le principal intérêt de ce film guère convaincant de John Favreau est qu’il met en scène un chef cuisinier de sorte que, à plusieurs reprises, la nourriture est le sujet du film, ce qui est assez rare dans le cinéma américain.

Mais le scénario cousu de fil blanc et l’interprétation assez laborieuse de Favreau lui-même ramollissent le film et le rendent tout à fait fade. De sorte que même s’il se paye le luxe de voir de petits rôles portés par des acteurs de renom (on croise Dustin Hoffman, Scarlett Johansson ou Robert Downey Jr), Chef s’oublie assez vite.

On notera, cela dit, le parcours étrange du chef cuisinier héros du film : alors qu’il dirigeait la cuisine d’un grand restaurant français de Los Angeles, il finit en sillonnant les routes dans un food truck, où il prépare des sandwichs et autres tacos. On ne saurait mieux résumer, finalement, le rapport des américains à la nourriture.

 

 

 

Jumanji (J. Johnston, 1995)

 

Film calibré pour les enfants, Jumanji avait eu une résonance lors de sa sortie à la fois par les effets spéciaux post Jurassic Park qui était alors une révolution visuelle, et par Robin Williams, alors superstar. Mais le film ne va pas bien loin, le jeu au cœur du film ne consiste à peu près en rien d’autre que de lancer les dés et, ensuite, de croiser les doigts face aux calamités qui se déversent. Tout cela n’a pas beaucoup de sens et reste un divertissement bas de gamme.

Okja (J. Bong, 2017)

 

Si le film démarre gentiment, sur une thématique proche de Sauvez Willy (le franchement mièvre en moins), il dérive ensuite vers la fable anti-industrielle et anticapitaliste. Mais, quand bien même il joue des codes de la comédie, l’univers brossé par Bong Joon Ho ne s’embarrasse guère de finesse. Qu’il s’agisse de la PDG dépressive et psychotique au possible (Tilda Swinton, parfaite) ou du vétérinaire allumé (étonnante composition de Jake Gyllenhall), le portrait de la société est brossé à très gros traits. Mais l’ensemble est amusant, malgré une morale facile et faiblarde qui décrédibilise trop le film.
On regrette cependant une image : celle, en fin de film, où l’on voit tous les super-cochons amassés dans un camp de barbelés et poussés vers l’abattoir. L’évocation des camps de concentration est très nette et l’assimilation à la Shoah on ne peut plus claire. Il y a là un parallèle qui fait frissonner. S’il est terrifiant et épouvantable de traiter des humains comme des cochons, on ne saurait, en revanche, dénoncer le sort des cochons en l’associant à celui des humains.

La Première folie des Monty Python (And Now for Something Completely Different de I. MacNaughton, 1971)

Dans ce premier long-métrage des Monty Python, on retrouve déjà leur verve tout feu tout flamme qui les conduit volontiers vers l’absurde, le cynique, le sanguinolent ou parfois le mauvais gout. La troupe de comédiens s’en donne à cœur joie et certains sketchs sont très drôles. L’on s’amuse aussi de voir les acteurs se démultiplier et camper une foule de personnages.

Le film est présenté comme une suite de sketchs habilement cousus les uns aux autres, bien qu’ils soient sans rapport (ce que John Cleese, revenant sans cesse d’un rôle à l’autre, nous dit savamment « et maintenant quelque chose de complètement différent… »). On retrouvera dans Le Sens de la vie, en plus abouti encore, cette facilité à bondir d’une séquence à l’autre. Mais, déjà, dès ce premier film, en se permettant des interludes, des digressions, des coupures, des adresses au spectateur et autres facéties en tous genres, la petite troupe montre toute son imagination débordante et tout son sens comique.

 

What a flash! (J.- M. Barjol, 1972)

 

Complètement ancré dans une époque, sans tenue et sans teneur, s'en remettant à une improbable improvisation ou à une supposée capacité à saisir les choses, Jean-Michel Barjol filme des personnes lâchées sur un gigantesque plateau. Cette débauche et cette frénésie se révèlent bien sûr être un grand n’importe quoi, sans créativité, sans émotion, mais qui laisse paraître les grandes prétentions artistiques des participants autant que celles du réalisateur.
Malgré la curiosité de la distribution (on croise dans ce fourre-tout Bernadette Lafont, Jacques Doillon ou quelques autres acteurs reconnus), on oublie vite ce gloubi-boulga, qui ne peut guère intriguer bien longtemps.

Monty Python : La Vie de Brian (Monty Python's Life of Brian de T. Jones, 1979)

 

Après leur Sacré Graal ! réussi, la bande des Monty Python signe une nouvelle comédie à la fois loufoque, absurde et tout aussi réussie. Terry Jones et sa troupe s’en donnent à cœur joie et s’autorisent toutes les facéties, jouant beaucoup sur des jeux de langues, des lapsus, des erreurs de compréhension ou de diction. L’idée est habile puisque sans pasticher Jésus lui-même (dont l’apparition en début de film est dénuée de tout comique), le film joue avec le verbe qui est la substance même de l’enseignement du Christ. Le film, alors, renvoie à une version libre, délirante et sans limite de L’Évangile selon Saint Matthieu.
Après une ouverture très drôle (les rois mages qui se trompent de crèche) et un générique décapant (qui renvoie nettement à Brancaleone), de nombreux gags n’ont pas pris une ride et restent délicieux (la séquence de la lapidation, Brian qui fait des fautes de latin en taguant les murs, les réunions des militants du Front Populaire de Judée, etc.). On notera combien une comédie habilement écrite brosse le portrait d’une époque ou, au contraire, permet de suivre l’évolution d’une société : on pense bien sûr à la séquence très drôle où Stan souhaite devenir Loretta (malgré son absence d’utérus !), sujet aujourd’hui non plus loufoque mais devenu on ne peut plus sérieux.

 

Yi Yi (E. Yang, 2000)

 


Si l’on suit Yi Yi sans déplaisir, le film, malgré bien des tentatives, ne procure guère d’émotion.
Yi Yi ne manque pourtant pas d’ambition et Edward Yang filme avec beaucoup de proximité et d’attachement ses personnages. Et l’idée de capter trois moments de la vie comme si les trois personnages n’en étaient qu’un, saisi à différents âges, est très bien vu.
Mais, derrière les qualités indéniables du film, il manque peut-être un lyrisme ou un sens de l’épique qui donnerait à cette triple vue d’une chronique familiale plus d’accroche pour la sortir des poncifs dans lesquels elle reste quelque peu.

 

 

 

Tuez-les tous... et revenez seul (Ammazzali tutti e torna solo de E. G. Castellari, 1968)

 

 

 

Western spaghetti très conventionnel de Enzo G. Castellari et qui a tout du cinéma d’exploitation. S’il reprend plusieurs éléments du Bon, la Brute et le Truand (la guerre de sécession, le trésor caché, la dynamite, etc.), la forme se contente de la vulgate très vite apparue dans la lignée de Sergio Leone. C’est que le cinéma italien, en exploitant avidement le filon du western, n’a gardé de Leone que quelques éléments de mise en scène qui en font une caricature. Et si l'on veut bien se souvenir que Leone est déjà un maniériste et qu’il est déjà caricatural, on se rend compte combien cette lignée du western spaghetti ne pouvait pas mener très loin en termes de qualité. On a donc droit, dans Tuez-les tous..., à des zooms tendus sur les visages, à des champs-contrechamps plantés à hauteurs des yeux, à des trognes patibulaires, à des bruitages aujourd’hui folkloriques (les coups de feu, les coups de poing), à des morts en pagaille.

C’est un peu dommage que le film, sur cet aspect formel, soit bâclé, car il y avait quelque chose à fouiller autour des deux personnages principaux cyniques à souhait et bien servis par deux acteurs intéressants (Chuck Connors et Frank Wolff).